Morfología y conceptos del paisaje gráfico en el arte

En esta tesis doctoral hemos querido desentrañar los cambios morfológicos producidos en la representación del paisaje como parte compositiva de un todo que es la Naturaleza. Y lo hemos realizado a través de un análisis pormenorizado del dibujo de paisaje a lo largo de la Historia, género que ha estado arrinconado y solo ha sido usado como herramienta auxiliar de otras manifestaciones artísticas. Con este trabajo de investigación, queremos valorizarlo en su justa medida. Para el artista, la percepción sensorial del entorno natural que le rodea más su propia experiencia y observación, da como resultado una construcción mental que se configura como una completa representación paisajística que quiere expresar a través de su obra. Aunque será en el siglo XV cuando la representación artística del paisaje alcance cotas de verdadero género independiente, ya en tiempos del Paleolítico encontramos un paisaje imaginado que ayuda a la narración de la escena. El dibujo es análisis y estructura y como tal, buscamos profundizar en tales conceptos mediante la búsqueda de ambas ideas en la recreación dibujística del paisaje. El dibujo ha sido nuestro primer medio de expresión y eso lo podemos comprobar mediante un estudio psicológico del dibujo y sus clichés en edades muy tempranas. Experimentamos también con nuestra propia obra para practicar distintas técnicas y estudios morfológicos explicitados de forma teórica en la presente investigación, no sin antes habernos adentrado en un detallado estudio de la realidad natural de la provincia de Cádiz, marco de nuestra investigación y foco de la inspiración a la hora de incorporar un corpus gráfico que ayude a entender los presupuestos incluidos en nuestra tesis doctoral. Para arrojar claridad sobre los conceptos incluidos en este trabajo de investigación y para alumbrar otros nuevos, acudimos a investigadores y artistas del ámbito universitario, que sumaron nuevas visiones sobre temas como la morfología, la percepción, las diferentes posibilidades de interpretación de un mismo modelo, la definición de paisaje, etcétera. En definitiva, queremos dar a entender con este estudio que el paisaje, usado como fondo de la narración durante muchos siglos, es valorado actualmente como género autónomo y con amplia aceptación social.The main goal of this doctoral thesis is to figure out the morphological changes produced in the representation of landscapes as a compositional part of Nature. We have done this by means of an in-depth analysis of the drawing of landscape along history; a genre traditionally in the shadow, which has only been used as an auxiliary tool for other artistic expressions. With this research and analysis work, we want to give it its well-deserved value. According to the artist, the sensorial perception around his natural surroundings, added to his own personal experience and observation give as a result a mental construction which erects as a complete representation of landscape expressed through his work. Although it was in the 15th century when the artistic representations of landscape rise levels of a true and independent genre, in the paleolithic pictures we find an imagined landscape which supports the narration of the prehistoric scenes. The drawing is analysis and structure and as it is, we seek to deepen such concepts by means of the analysis of both ideas in the drawing recreation of landscape. The drawing has been our first means of expression and we can test it through a psychological study of itself and its clichés at a very early age. We also experiment with our own work to put into practice different techniques and morphological studies expressed in a theoretical form in this research. Previously, we have gone into a detailed research of the natural reality of the province of Cadiz; a framework of our research and focus of inspiration for a graphic body which helps understand the presuppositions included in our doctoral thesis. To shed light on the concepts included in this research work, as well as to develop new ones, we have taken into account the work of other university researchers who dealt with new visions of topics such as morphology, perception, the different possibilities of interpretation of a model, definition of landscape and so on. In summary, we want to send the message that the landscape, used as an element for narration in the past, nowadays it is valued as an autonomous genre with high levels of social acceptance

RAFAEL CONTRERAS JUESAS: CARTELISTA, COMUNICADOR GRÁFICO, PINTOR, INVESTIGADOR, ESCRITOR Y PEDAGOGO. VIDA, OBRA Y CATÁLOGO ANALÍTICO

Se ha analizado en profundidad cada una de las facetas de Rafael Contreras Juesas desarrolladas tanto en el ámbito personal como profesional, mostrando cronológicamente la trayectoria laboral y académica; estudiando su personalidad y estilo; a nivel multidisciplinar se ha plasmado su creación artística -gráfica y pictórica- generada por el artista a lo largo de su vida, muy especialmente la cartelística, secundada por los textos más representativos de su indeleble etapa docente. Se ha compilado, previa búsqueda documental, su completa producción plástica y cartelística, analizándola iconológica e iconográficamente; recabando a su vez, como valiosa aportación adicional, la opinión que de él tienen los diseñadores gráficos de prestigio internacional: Javier Mariscal, Alberto Corazón, Enric Satué y Pepe Gimeno. En la biografía se conjuga lo práctico con lo teórico, la primera en cuanto se refiere a la elaboración: las técnicas, procesos, principios y materiales empleados por el autor, cobrando especial interés en su creación los procesos de bocetado, por lo sumamente didáctico; la segunda, a través de sus planteamientos semiológicos que favorecen la comprensión de sus representaciones gráficas. En primera instancia se estudian sus precedentes familiares y su formación académica con el fin de contextualizar al personaje en sus respectivas influencias. A posteriori se concatenan cada una de sus ocupaciones profesionales e investigadoras, desglosadas pormenorizadamente, e incluyendo su obra en el transcurso de las mismas, de manera integral (coherente y unificada) y global (con intención totalitaria). Se ha puesto especial ahínco en registrar y fechar profusamente cada uno de los momentos clave, así como describir detalladamente los acontecimientos de relieve. Se incide especialmente en el apartado cartelístico -al tratarse del denominador común a través del cual el autor de quien tratamos se da a conocer, al igual que como profesor- analizando la creatividad en el brainstorming y su expresivo lenguaje gráfico. Se ha buscado, recopilado, clasificado y numerado todo el material diverso índole y procedencia; organizando éste, acorde a las respectivas temáticas disciplinarias que lo integran, unificando coherentemente en sus apartados conceptos comunes y contenidos afines a los mismos.Arce Martínez, JM. (2014). RAFAEL CONTRERAS JUESAS: CARTELISTA, COMUNICADOR GRÁFICO, PINTOR, INVESTIGADOR, ESCRITOR Y PEDAGOGO. VIDA, OBRA Y CATÁLOGO ANALÍTICO [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/36064TESI

Dialogismo e intertextualidad en la obra de Remo Bianchedi y su contexto institucional

Archivo PDFEn esta Tesis Doctoral titulada “Dialogismo e intertextualidad en la obra de Remo Bianchedi y su contexto institucional” analizamos ciertas categorías y perspectivas teóricas acerca del problema de la imagen visual y de la obra de arte en la dimensión de la semiótica de la cultura. Para ello aplicamos elementos que provienen de un conjunto de teorías textuales -Bajtín (1997), Bajtín & Voloshinov (1976), Calabrese (1993), Bourdieu (1988, 1990, 1995, 2003) y Verón (1998)- a las acciones, productos y prácticas de un contexto artístico de las artes visuales en Argentina en general y del artista en particular, atendiendo a las dimensiones y a la complejidad de tales manifestaciones artísticas y sus superficies significantes, considerando las obras como objetos teóricos, dotados de medios metasemióticos. Cuestión que nos permite realizar simultáneamente un análisis histori ográfico de ciertos referentes poéticos, filosóficos, de la teoría critica de la modernidad: Rimbaud, Wittgenstein, Benjamin y de las artes visuales modernas: de la vanguardia histórica y la neovanguardia: Duchamp, Beuys, et al.- . Y de cómo nuestro artista -Bianchedi- se reapropia de estos legados en clave dialógica, intertextual y alegórica - Brea (1991), Buchloh (2004)- empleando procedimientos poéticos característicos de la contemporaneidad o edad neobarroca (Calabrese). Analizamos además de la producción plástica y literaria del autor, su contexto institucional, y con esto nos referimos a la Fundación Nautilius, en el campo de las formaciones (Williams) artísticas emergentes durante la Crisis Argentina del 2001. Así mismo, este trabajo realiza un aporte epistémico-metodológico, al tomar la obra: El Gran Vidrio . La Novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso (Duchamp, 1915-1923) como modelo topográfico de la investigació

Arquitectura. Ritos y ritmos

Este libro está dedicado a cuantos aún creen en el beneficio de la Arquitectura que a todos y a todas y en todas partes, salvo cuando ocasionalmente navegamos, nos sustenta y envuelve. No es, ni de lejos, un recetario. Es más bien un cuestionario que invita a pensar. Convencido de que la Arquitectura no se enseña, sino más bien ella nos enseña a vivir, el autor ha puesto por escrito aquellos interrogantes que, a lo largo de cuatro décadas, él mismo formuló de palabra, invitando a sus estudiantes y estudiosos a aprender de ella, interrogándola. Hablamos, pues, de Arquitectura. Hace dos tercios de siglo, Bruno Zevi, arquitecto e historiador vinculado al llamado Movimiento Moderno, publicó un libro titulado Saber ver la arquitectura. En su época fue un best-seller. Este libro apunta a algo diferente. Pues no trata de saber ver, sino de saber habitar la arquitectura. Lo que podría haber sido su título, porque éste es su propósito: y el que traza su itinerario. Un itinerario que va del lugar que habitamos en el planeta (la tierra) a la luz que nos remite al sistema (el cosmos) al que pertenecemos. El trayecto del libro contempla, a lo largo de sus 28 capítulos, otras tantas estaciones, o cuestiones, en las que el lector puede a su antojo subirse al tren o apearse de su discurso. Bien entendido que la fe en el poder de la Arquitectura no se discute: se da por supuesta. Ella está presente en cada uno de nuestros pasos sobre la tierra, alimenta el fuego de nuestros hogares, vehicula y canaliza el agua que sacia nuestra sed y ventila el aire que respiramos. En ella se dan cita, pues, los cuatro elementos de la sabiduría clásica del mundo. El libro agrupa las dichas 28 cuestiones en cuatro paquetes de siete, dos y dos. Los dos primeros atienden a los ritos, o protocolos, en los que se ejercita la voluntad de habitación. Los cuales, a su vez, suponen una toma de posesión con respecto al territorio, su geografía y su historia, su topografía y su paisaje, sus asentamientos y sus mitos. Y los dos siguientes refieren sus ritmos, materiales y formales, a través de los cuales la arquitectura se confabula con la vida y redunda en ella. Por medio del ritmo la arquitectura escenifica el rito de la habitación

Dimensión terapéutica de la creación artística y literaria para la gestión emocional

Programa de Doctorado en Historia y Estudios Humanísticos: Europa, América, Arte y LenguasLínea de Investigación: Estudios Filológicos, Traductológicos y CulturalesClave Programa: DHHCódigo Línea: 122Esta tesis responde al deseo de profundizar en la investigación sobre el uso de las artes para la educación y adecuada gestión emocional. Como investigación, se adhiere al formato de intervención evaluada cualitativamente. Como intervención, utiliza la arteterapia en varias modalidades (pero fundamentalmente, escritura creativa y artes plásticas) como medio preventivo-terapéutico para la identificación, valoración y gestión emocional (y de los pensamientos y conductas que corresponden a esas emociones) en niños de 6 a 10 años. La intervención duró 4 meses a razón de 8 horas semanales, y fue realizada en el colegio Huerta de Santa Ana (Gines, Sevilla), de enero a abril de 2016. La investigación previa y subsiguiente demuestra que los recursos arteterapéuticos adaptados a contexto escolar, en horario lectivo e integrados en el currículum, de modo que puedan ser guiados por docentes formados en arteterapia (Educación Artística Terapéutica) constituyen herramientas eficaces para que los niños identifiquen, evalúen éticamente y gestionen sus emociones adecuadamente.Universidad Pablo de Olavide de Sevilla. Departamento de Filología y Traducció

Pensamiento romántico naturalista y experiencia procesual en el expresionismo abstracto. Influencia en el informalismo vasco

398 p. : il., col.El objetivo de esta Tesis pretende demostrar una vinculación entre la estética naturalista y los sistemas procesuales del expresionismo abstracto, evidenciando el estrecho contacto del artista con la realidad natural que le rodea. El expresionismo abstracto surge como resultado del éxodo artístico que origina la Segunda Guerra Mundial, trasladando de París a Nueva York la capital artística internacional. El encuentro que se produce entre la cultura artística proveniente de Europa y el bagaje cultural indígena americano consolida una nueva vanguardia con repercusión internacional que trata de desarrollar una personalidad distintiva, desembocando en un compromiso con el sentimiento de identidad nacional. El interés demostrado por la creación indígena y su acercamiento a la cultura de mitos, sitúa al pintor expresionista abstracto ante un compromiso manifiesto por elementos primarios provenientes de la naturaleza, propiciando una búsqueda de los procesos creativos a través del contacto directo con el entorno natural. El paisaje se vuelve un elemento vinculante entre el hombre y sus orígenes primigenios. El pensamiento romántico naturalista así como las ideas provenientes del Zen se convierten para estos pintores en un estímulo procesual pictórico que les hace adoptar una actitud ideológica y creativa basada en la experiencia. Una experiencia que se traduce en la acción de contemplar y recorrer la naturaleza y en la proyección de sentimientos y vitalidad en las fuerzas y movimientos del paisaje, y que continúa en el manejo de la pintura. El expresionismo abstracto se consolida como un movimiento internacional influyendo en el arte de diferentes países. Nuestro estudio se centra en el informalismo vasco y en la repercusión que tuvo entre sus artistas, como ejemplo de las numerosas culturas que adoptan este lenguaje pictórico para expresarse ante su realidad existencial. El núcleo de dicha investigación se centra en una propuesta de análisis de obras pertenecientes al informalismo vasco, con la intención de observar el fenómeno del expresionismo abstracto en nuestra propia comunidad artística. En nuestros análisis utilizamos el paisaje como espacio físico para desarrollar una serie de códigos procesuales que vinculan la pintura expresionista abstracta con la naturaleza. El paisaje entendido desde la idea de movimiento e interacción de fuerzas y tensiones, nos permite observar de manera análoga, el modo en que estos artistas proyectan emociones vitales en la naturaleza, estableciendo una relación entre los procesos de formación natural y los procesos de creación pictórica. El paisaje actúa como un filtro por donde pasan las diferentes obras seleccionadas, traduciéndose al lenguaje del naturalismo

Dibujos. Realidad y tiempo en la obra de Antonio López

[EN] The thesis is an initial approach to the biography and work of Antonio López. It deals with an approximation and trust on reality. It focuses on the study of his fundamental drawings, since 1949 until 2011 and also on the meaning of reality and time for Antonio López. Finally, it studies the possibility of existence of a school or group of "realism in Madrid". In the drawings it is revealed to whom and how he discovers the natural drawing; the meaning of the drawing for Antonio López in which what changes the essence of the drawing, painting and sculpture is studied as well as his creative process, the modalities in his drawings (draft, notes of painting from life, rough sketches, design examples and final design) and the themes. In his themes we can find an existential connotation and a temporal and spatial dimension that is investigated as a sequence of nature. They established six thematic scopes: the human figure, domestic interiors, intimate places, food, garden and fruit compositions and landscapes. The human figure is represented on its own, in couples, dressed or naked, sitting with a view to the knee, standing, lying, a close up portrait, medium or whole detail, in general and in different periods or stages of human life. He mainly painted the members of his family as well as others and even invented them. In the interior spaces he represents the inner moments of himself, his intimacy. Consequently, the works of art in his studio represent works of art of extraordinary and expressive intensity. In the garden theme a dialogue with nature is established. In all the landscapes, Tomelloso, his home town, appears and the place where he lives, Madrid. We analyse the importance of reality in his work. A synthesis of the evolution of his realism is made as a symbolic resource. When analysing time, the classification is as follows: the time represented, the time of the representation, the historic time. The time is essential in his work, it is present and it dwells in his work. His work is a testimony of the passage of time and that is what moves and conditions his work. Analysing time in his work La familia de Juan Carlos I, time is of great relevance as it is the masterpiece of his career. The traces of his creative process are present in his work as his own identity, reflection of how the artists have learnt from each other throughout history. His mastery skills make him an exceptional artist with a peculiar philosophy and method. Time is very significant in the way his work concludes. It is always open, ever changing with present time containing the past and so the artist corresponds with his loyalty. In the last chapter, we study the possible existence of a school or group of "realism in Madrid", formed by six artists such as Antonio López is located. It is confirmed that Antonio López, along with Julio and Francisco López Hernandez brothers, Amalia Avia Maria Isabel Moreno and Quintanilla, did not form a school, nor a group of Madrid realism rules or stipulated rules, but a group of peers, friends, who met at the Faculty of Fine Arts of San Fernando, Madrid, in the fifties, and whose artistic work part of reality, with a different look. Maria Moreno, a famous painter and wife of Antonio Lopez is considered by the artist his "light".[ES] La tesis versa sobre una aproximación a la biografía y obra de Antonio López, en la que se indaga su acercamiento y confianza en la realidad. Se profundiza en el estudio de los dibujos fundamentales, desde 1949 hasta 2011, y en el significado de la realidad y del tiempo para Antonio López. Por último, se estudia la posibilidad de una escuela o grupo de "realismo madrileño". En los dibujos se investiga: con quién y cómo descubre el dibujo del natural; el significado del dibujo para Antonio López, en el que se estudia qué es lo que cambia la esencia en el dibujo, pintura y escultura; su proceso de creación; las modalidades que presentan los dibujos (boceto, apunte del natural, bosquejo, croquis y dibujo definitivo) y la temática. En sus temas se encuentran connotaciones de tipo existencial y se indaga en una temática espacio-temporal de naturaleza secuencial. Se establecen seis ámbitos temáticos: la figura humana, interiores domésticos, espacios íntimos, alimentos, el jardín y composiciones frutales, y el paisaje. La figura humana la representa sola, emparejada, vestida o desnuda; sentada con una visión hasta la rodilla, de pie, tumbada; en plano de detalle, primer plano, medio, entero, de conjunto o general, y en diferentes periodos y etapas del ciclo vital. Principalmente, toma como modelos a su familia, aunque hay otros ajenos a ella e, incluso, inventados. En los espacios íntimos es dónde el artista retrata el interior de su ser, su intimidad, constituyendo los dibujos de su estudio obras de una extraordinaria intensidad expresiva. En el tema del jardín establece un diálogo con la naturaleza. En sus paisajes están presentes el lugar donde nace, Tomelloso, y el lugar donde vive, Madrid. Se analiza la importancia de la realidad en su obra. Se hace una síntesis de la evolución de su realismo, siendo éste un recurso simbólico. En el análisis del tiempo se establece una clasificación: el tiempo representado, el tiempo de la representación y el tiempo histórico. El tiempo es fundamental en su obra, está presente y habita en ella. Su obra es testimonio del transcurso del tiempo, y éste es el que mueve y condiciona su trabajo. Se analiza el tiempo en la obra La familia de Juan Carlos I, por ser una obra cumbre en su trayectoria artística y en la que el tiempo es relevante. Las huellas de su proceso creativo están presentes en su obra como señas de identidad, que reflejan cómo los artistas han aprendido unos de otros a lo largo de la historia. Su magisterio lo hace un artista excepcional, aunado a un método de trabajo y filosofía peculiares. El tiempo es significativo en la manera de concluir su obra, que siempre está abierta, cambiante, con el tiempo en presente, que contiene todo su pasado, y en la que el artista corresponde con su fidelidad. En el último capítulo, se estudia la posible existencia de una escuela o grupo de realismo madrileño, formado por seis artistas entre los que se ubicaría Antonio López. Se corrobora que Antonio López, junto con los hermanos Julio y Francisco López Hernández, Amalia Avia, María Moreno e Isabel Quintanilla, no formaron una escuela, ni tampoco un grupo de realismo madrileño con unas normas o reglas estipuladas, pero sí un grupo de compañeros, de amigos, que se conocieron en la Facultad de Bellas Artes de San Fernando, de Madrid, en los años cincuenta, y cuyo trabajo artístico parte de la realidad, con una mirada diferente. María Moreno, pintora célebre y esposa de Antonio López, es considerada por el artista su "luz".[CA] La tesi versa sobre una aproximació a la biografia i obra d'Antonio López, en què s'indaga el seu acostament i confiança en la realitat. S'aprofundeix en l'estudi dels dibuixos fonamentals, des de 1949 fins a 2011, i en el significat de la realitat i del temps per a Antonio López. Finalment, s'estudia la possibilitat d'una escola o grup de "realisme madrileny". En els dibuixos s'investiga: amb qui i com descobreix el dibuix del natural; el significat del dibuix per a Antonio López, en el qual s'estudia què és el que canvia l'essència en el dibuix, pintura i escultura; el seu procés de creació; les modalitats que presenten els dibuixos (esbós, apunt del natural, esbós, croquis i dibuix definitiu) i la temàtica. En els seus temes es troben connotacions de tipus existencial i s'indaga en una temàtica espai-temporal, de naturalesa seqüencial. S'estableixen sis àmbits temàtics: la figura humana, interiors domèstics, espais íntims, aliments, el jardí i composicions fruiters, i el paisatge. La figura humana la representació sola, aparellada, vestida o nua; asseguda amb una visió fins al genoll, de peu, tombada; en pla de detall, primer pla, mitjà, sencer, de conjunt o general, i en diferents períodes i etapes del cicle vital. Principalment, pren com a models a la seva família, i hi ha altres aliens a ella, i fins i tot, inventats. En els espais íntims és on l'artista retrata l'interior del seu ésser, la seva intimitat, constituint els dibuixos del seu estudi obres d'una extraordinària intensitat expressiva. En el tema del jardí estableix un diàleg amb la natura. En els seus paisatges estan presents el lloc on neix, Tomelloso, i el lloc on viu, Madrid. S'analitza la importància de la realitat en la seva obra. Es fa una síntesi de l'evolució del seu realisme, sent aquest un recurs simbòlic. En l'anàlisi del temps s'estableix una classificació: el temps representat, el temps de la representació i el temps històric. El temps és fonamental en la seva obra, és present i habita. La seva obra és testimoni del transcurs del temps, i aquest és el que mou i condiciona la seva feina. S'analitza el temps en l'obra La familia de Juan Carlos I, per ser una obra mestra en la seva trajectòria artística i en la qual el temps és rellevant. Les empremtes del seu procés creatiu són presents en la seva obra com a senyals d'identitat, que reflecteixen com els artistes han après els uns dels altres al llarg de la història. El seu magisteri ho fa un artista excepcional, conjuminat a un mètode de treball i filosofia peculiars. El temps és significatiu en la manera de concloure la seva obra, que sempre està oberta, canviant, amb el temps en present, que conté tot el seu passat, i en la qual l'artista correspon amb la seva fidelitat. En l'últim capítol, s'estudia la possible existència d'una escola o grup de realisme madrileny, format per sis artistes entre els que se situaria Antonio López. Es corrobora que Antonio López, juntament amb els germans Julio i Francisco López Hernández, Amalia Avia, María Moreno i Isabel Quintanilla, no van formar una escola, ni tampoc un grup de realisme madrileny amb unes normes o regles estipulades, però sí un grup de companys , d'amics, que es van conèixer a la Facultat de Belles Arts de San Fernando, de Madrid, als anys cinquanta, i el treball artístic part de la realitat, amb una mirada diferent. Maria Moreno, pintora cèlebre i esposa d'Antonio López, és considerada per l'artista la seva "llum".García Pérez, P. (2016). Dibujos. Realidad y tiempo en la obra de Antonio López [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/62325TESI

Realismo Mágico: Gregorio Villarig

Tesis que aborda en profundidad el estudio de la obra pictórica del artista aragonés Gregorio Villarig del Cacho, pintor ecléctico y autodidacta que además, forma parte de una cantera de artistas que surgirán durante la transición en España, concretamente en Zaragoza. Así, su producción pictórica se desarrolla entre los siglos XX y XXI, inmerso en una estética impregnada de un surrealismo internacional, y más concretamente, de un surrealismo emergente, con claros tintes del realismo mágico y de sus postulados. En este estudio daremos especial relevancia a una de sus series, Canal, en la que nos mostrará su tema principal, el Paisaje. Se trata de una serie que constituye el culmen de su corpus pictórico y pone de relieve una larga trayectoria pictórica.Se trata por tanto de un trabajo de investigación que ha catalogado de forma razonada más de 1000 obras representativas desde 1963 hasta el 2015. Entre ellas hemos catalogado: dibujos, grabados, libros de artista, divertimentos, pruebas, ensayos y pinturas. Entre todo el grueso de su obra hemos presentando en este Catálogo razonado, principalmente, su pintura y algunos de los dibujos también relacionados con su obra pictórica para cometer un mejor estudio de su obra completa. Se ha realizado una biografía completa del artista y relacionado su obra con las últimas vanguardias y con las corrientes artísticas de su generación. Y para el correcto desarrollo de este estudio hemos consultado las fuentes necesarias para una perfecta comprensión del tema. Se han realizado entrevistas directas al artista, fuente que ha resultado indispensable en esta investigación. Aun así su numerosa producción dificultaba su clasificación tanto por la cantidad de temas realizados y su continuidad en el tiempo, como por su coincidencia en algunos periodos de tiempo y la diversidad de los estilos desarrollados. El artista se aleja de las corrientes para construir lenguajes nuevos que el mismo define como vías. Por tanto, no hemos encontrado una conexión continua a ninguna corriente por parte del artista, sin embargo, descubrimos en los postulados del Realismo Mágico y con el surrealismo muchas similitudes.Así mismo, debemos demandar y exteriorizar que tras el análisis de su obra y finalizado este estudio podemos constatar que Gregorio Villarig es uno de los pintores aragoneses de nuestro tiempo más tenaces, relevantes y más olvidados. Por ello, ponemos de relieva el olvido historiográfico reciente del pintor Gregorio Villarig del Cacho, así como, de otros pintores aragoneses de su generación.<br /

Orientalism in 19th century photography. The experience of the travel to the East

Tesis inédita de la Universidad Complutense de Madrid, Facultad de Bellas Artes, leída el 04/12/2020La presente investigación aborda el tema del orientalismo en la fotografía del siglo XIX, en relación con la teoría del orientalismo desarrollada a partir de las investigaciones de Edward W. Said y de los estudios postcolonialistas. A través de las imágenes fotográficas se pretende crear un relato que recoja las claves iconográficas e interpretativas de ese periodo y a sus actores protagonistas: los fotógrafos que viajaron hacia Oriente Próximo y Andalucía entre 1839 y 1900 a la búsqueda de una experiencia propia de viaje y aventura. Consecuentemente, se establece un enfoque metodológico que supone una de las principales aportaciones del presente estudio realizado, al no existir, en lengua castellana, investigaciones similares. La primera parte del trabajo introduce la noción de orientalismo y desarrolla un marco teórico en el que se analiza la evolución del término en su aplicación al estudio de la fotografía. Consciente de la existencia de una definición confusa del término fotografía orientalista, se analizan otras terminologías propuestas. También se estudia la recepción de las primeras imágenes fotográficas de Oriente en Europa, la influencia del orientalismo en la pintura y la literatura de viajes del siglo XIX, la evolución del viaje a Oriente a partir del grand tour y su transformación en la práctica del turismo. La segunda parte analiza el tema de la fotografía del siglo XIX en Oriente Próximo y la experiencia del viaje. Se toma en consideración las experiencias de los daguerrotipistas, calotipistas y fotógrafos del colodión en sus viajes a Oriente Próximo. Se analiza la evolución de la práctica fotográfica desde los pioneros hasta el desarrollo de los grandes estudios profesionales, tanto locales como extranjeros. La tercera parte está dedicada a la fotografía del siglo XIX en Andalucía, considerada un Oriente cercano, y a su relación con el orientalismo. Al igual que sucedía en la segunda parte, en esta se contextualiza la noción del orientalismo en el ámbito andaluz mediante un análisis de relatos y descripciones de intelectuales extranjeros y españoles del siglo XIX, el desarrollo del turismo en Andalucía y la experiencia del viaje de los fotógrafos extranjeros: daguerrotipistas, calotipistas y fotógrafos del colodión. También se estudian ejemplos de estudios fotográficos, locales y extranjeros...This research addresses the issue of orientalism in 19th century photography, in relation to the theory of orientalism developed from the research of Edward W. Said and postcolonial studies. The aim of the photographic images is to create a story that gathers the iconographic and interpretive keys of that period and its leading actors: the photographers who traveled to the Middle East and Andalusia between 1839 and 1900 in search of their own travel and adventure experience. Consequently, a methodological approach is established that supposes one of the main contributions of the present study, as there is no similar research made in Spanish language. The first part of the work introduces the notion of orientalism and develops a theoretical framework in which the evolution of the term in its application to the study of photography is analyzed. Aware of the existence of a confusing definition of the term orientalist photography, other proposed terminologies are analyzed. The reception of the first photographic images of the Orient in Europe, the influence of orientalism in the painting and travel literature of the 19th century, the evolution of the trip to Orient from the grand tour and its transformation in the practice of tourism are also studied. The second part analyzes the theme of 19th century photography in the Middle East and the travel experience. The experiences daguerreotypists, calotypists, and collodion photographers are taken into account in their travels to the Middle East. The evolution of photographic practice is analyzed from the pioneers to the development of large professional studios, both local and foreign. The third part is dedicated to 19th century photography in Andalusia, considered a Near East, and its relationship with orientalism. As happened in the second part, in this the notion of orientalism in the Andalusian context is contextualized by means of an analysis of stories and descriptions of foreign and Spanish intellectuals of the 19th century, the development of tourism in Andalusia and the travel experience of the foreign photographers: daguerreotypists, colotypists and collodion photographers. Examples of photographic, local and foreign studies are also studied...Fac. de Bellas ArtesTRUEunpu